El arte contemporáneo explora territorios cada vez más fronterizos, y uno de los más fascinantes es el que integra la materia viva o en proceso de descomposición como lenguaje expresivo. Desde hojas, ramas y pieles de naranja hasta restos animales, fluidos corporales y microorganismos, los creadores actuales utilizan lo orgánico para hablar de temporalidad, fragilidad y memoria. Dos miradas recientes —la exposición Living Matter del arquitecto y artista Paul Daly en la Fundació Vila Casas de Barcelona, y el simposio “Materia viva” del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) en México— permiten trazar un mapa de cómo lo efímero se convierte en discurso estético y en problema de conservación.
Este cruce de perspectivas, entre la poética del paisaje prensado de Daly y la reflexión ética del bioarte que planteó el MUAC, revela que trabajar con lo orgánico no es solo una elección plástica: implica posicionarse frente a los límites de la restauración, la bioética y la propia definición de obra de arte. A continuación, exploramos ambas propuestas para entender cómo los materiales vivos están transformando la creación contemporánea y qué desafíos plantean a museos, restauradores y al público.
Paul Daly, originario de Liverpool, encontró en Barcelona una fuente de inspiración que marcaría toda su trayectoria. Fascinado por Gaudí y Mies Van der Rohe, comenzó a recoger hojas, ramitas y cortezas durante sus paseos por la Costa Brava y el parque de Montjuïc. Esos restos orgánicos, en diferentes estados de descomposición, se convierten en la paleta con la que construye composiciones abstractas de una delicadeza sorprendente. Su método es tan sencillo como efectivo: coloca el material entre dos grandes cristales y lo prensa, para luego retroiluminar la pieza con un foco de luz. El resultado hace dudar al espectador sobre si está ante una hoja real, una fotografía o una pintura.
La exposición Living Matter, celebrada en el Museu Can Framis de la Fundació Vila Casas, reunió 17 obras de los últimos años y supuso su primera muestra individual en la ciudad. Entre las piezas destacaba Rambla (Senescencia), ganadora del Premio de Escultura 2018 de la Fundació Vila Casas. En ella, Daly utiliza hojas unidas con alambres para reproducir el emblemático paseo barcelonés y la impresión que le causó caminar por primera vez bajo sus árboles. La senescencia —el proceso natural de envejecimiento de las hojas— se transforma aquí en metáfora de la memoria y del paso del tiempo, capturando un instante de belleza condenado a desaparecer.
El proceso creativo de Daly nació de un hallazgo fortuito: un día quiso disimular la bombilla de una lámpara con una hoja y descubrió el efecto hipnótico que provoca la luz al atravesar la materia vegetal. A partir de esa revelación, desarrolló un lenguaje propio basado en las texturas, las transparencias, los colores cambiantes de la descomposición y los vacíos que deja la materia al retirarse. Sus piezas no solo celebran la naturaleza, sino que nos obligan a mirar de cerca aquello que normalmente pisamos sin reparar, devolviéndole una dignidad inesperada a lo efímero.
Si el trabajo de Daly se sitúa en una línea más lírica y paisajística, el simposio “Materia viva” organizado por el MUAC abordó una vertiente mucho más radical del uso de lo orgánico en el arte. Bajo el título «En el bioarte, ¿Hasta dónde se puede hablar de ética?», el encuentro puso sobre la mesa obras que emplean restos de animales, desechos humanos y otros fluidos corporales como materia prima. El bioarte trasciende la representación para trabajar directamente con la vida, manipulando organismos, tejidos y procesos biológicos en tiempo real, lo que plantea preguntas incómodas sobre los límites morales de la creación artística.
La restauradora Ana Lizeth Mata, una de las voces participantes en el simposio, expuso los desafíos que el arte contemporáneo con materia orgánica impone a los profesionales de la conservación. A diferencia de un óleo sobre lienzo o una escultura en mármol, estas obras están diseñadas para transformarse, degradarse o incluso desaparecer. La intervención de Mata subrayó que el restaurador debe replantear su función tradicional: ya no se trata de frenar el deterioro a toda costa, sino de documentar el proceso de cambio y negociar con el artista los límites de la intervención. El simposio evidenció que el bioarte no es solo una tendencia estética, sino un campo de tensión entre ciencia, ética y museología.
El bioarte abarca un espectro muy amplio de técnicas, desde el cultivo de bacterias y hongos sobre soportes inertes hasta la utilización de tejidos vivos o la manipulación genética con fines estéticos. Algunos creadores trabajan con ADN, células madre o biotecnología para generar organismos modificados que son a la vez escultura y experimento científico. Esta hibridación obliga a replantear no solo el papel del artista, sino también el del museo como institución: ¿cómo se expone una obra que respira, que se alimenta o que puede contaminar otras piezas del acervo?
Frente a la aparente frialdad de la biotecnología, Daly ofrece un contrapunto cálido y accesible: su técnica de prensado entre cristales intenta detener el proceso de descomposición, fijando un momento irrepetible. Sin embargo, ambas corrientes comparten algo fundamental: la asunción de que la obra de arte puede —y quizás debe— cambiar con el tiempo, desafiando la idea de permanencia que ha dominado la historia del arte occidental.
La conservación de obras creadas con materia orgánica plantea problemas que la restauración tradicional no había contemplado. En el caso de Paul Daly, el prensado entre cristales actúa como una cápsula del tiempo que ralentiza la descomposición al privar a los materiales de oxígeno y humedad. No obstante, ni siquiera este método garantiza la inmutabilidad: la luz, las variaciones térmicas y la propia química de los restos vegetales pueden generar cambios cromáticos, aparición de hongos o fragilidad estructural con el paso de los años. La pregunta es si esos cambios forman parte de la obra o deben ser corregidos.
En el extremo opuesto, las piezas de bioarte que incorporan materia viva activa no pueden ser “restauradas” en un sentido clásico. Cuando una obra está hecha de moho, carne o sangre, su degradación no es un accidente sino un rasgo constitutivo. La labor del conservador se desplaza entonces hacia la documentación exhaustiva —fotográfica, audiovisual y testimonial— y hacia la construcción de un archivo que preserve la memoria de la pieza una vez que esta haya desaparecido. Ana Lizeth Mata insistió en la necesidad de establecer protocolos específicos y de formar a los profesionales en un diálogo constante con los artistas, los científicos y los comisarios.
La irrupción de la materia viva en las salas de exposición ha reactivado un debate filosófico de largo recorrido: ¿el arte debe aspirar a la eternidad o puede abrazar su propia finitud? Desde las vanitas barrocas hasta el Land Art, la reflexión sobre el paso del tiempo ha sido una constante, pero el bioarte da un paso más al hacer del deterioro la sustancia misma de la obra. Al contemplar una pieza de Paul Daly o una instalación con bacterias luminiscentes, el espectador no solo observa un objeto, sino que asiste a un proceso irreversible, lo que convierte la visita al museo en una experiencia temporal única e irrepetible.
Este nuevo paradigma afecta también a la relación entre el artista, el museo y el mercado. Una obra diseñada para desaparecer cuestiona el coleccionismo y la noción de valor. ¿Cómo se tasa una pieza que dentro de diez años será polvo? ¿Qué adquiere realmente un coleccionista? La respuesta, aún en construcción, apunta a un cambio profundo: el valor se desplaza del objeto físico al concepto, al proceso documentado y a la experiencia vivida. En ese sentido, la creación con materia viva está impulsando una transformación tan radical como la que supuso en su día el ready-made o el arte conceptual.
El arte con materia orgánica nos invita a mirar de otra manera aquello que normalmente desechamos o ignoramos. Las hojas que pisamos en un paseo otoñal, las ramas caídas después de una tormenta o incluso los restos de una naranja pueden convertirse en protagonistas de obras de una belleza inesperada. Tanto la exposición de Paul Daly como las reflexiones del simposio del MUAC nos enseñan que el arte no solo se hace con materiales nobles y duraderos; también puede brotar de lo más frágil y efímero, recordándonos que la vida —y todo lo que produce— es cambio constante.
Visitar una exposición de estas características es una experiencia diferente: no se trata solo de ver, sino de ser testigo de un proceso. Las obras respiran, se transforman, a veces incluso huelen. Para el espectador no especializado, el mensaje es claro y poderoso: la belleza no necesita ser eterna para ser valiosa, y el arte puede ser un espejo donde contemplar nuestra propia condición pasajera. Si tiene la oportunidad de acercarse a este tipo de propuestas, hágalo sin prisa y con los sentidos abiertos; cada visita será irrepetible.
Para restauradores, comisarios y museólogos, el arte con materia viva representa un reto que exige revisar los protocolos de conservación y adquisición. Las técnicas tradicionales de restauración, basadas en la estabilización del soporte y la reversibilidad de las intervenciones, resultan insuficientes —o directamente contraproducentes— cuando la obra está programada para degradarse. Es imprescindible desarrollar marcos de colaboración interdisciplinar que integren a biólogos, químicos y especialistas en bioética, así como establecer directrices claras sobre la documentación de procesos y la gestión de riesgos sanitarios en las salas de exposición.
Desde un punto de vista curatorial, la inclusión de piezas efímeras o vivas obliga a replantear la temporalidad de las muestras y el diseño de los espacios expositivos. Aspectos como la iluminación, la ventilación o el aislamiento de determinadas obras pasan a ser críticos. Asimismo, la negociación con los artistas sobre los límites de la intervención conservadora debe quedar registrada desde el momento de la adquisición o el préstamo, preferiblemente mediante contratos que recojan de forma explícita la voluntad del creador respecto a la evolución material de la pieza. En última instancia, el bioarte nos interpela a todos los profesionales del sector: aceptar la desaparición de la obra como parte de su significado no es una renuncia, sino una ampliación de los horizontes de la conservación.
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